“Cento catastrofi /sono cento divertenti capriole / su cento abissi. // Se esistono gli angeli, / dovrebbero convincerli / – spero – / questa allegria sull’altalena dell’orrore, / che non grida neppure aiuto, aiuto, / perché tutto avviene in silenzio. // Oso supporre / che applaudano con le ali / e che dai loro occhi colino lacrime / almeno di riso.” Wisława Szymborska, “Commediole” (tr. P. Marchesani)

“C’è un quadro di Klee che s’intitola Angelus Novus. Vi si trova un angelo che sembra in atto di allontanarsi da qualcosa su cui fissa lo sguardo. Ha gli occhi spalancati, la bocca aperta, le ali distese. L’angelo della storia deve avere questo aspetto. Ha il viso rivolto al passato. Dove ci appare una catena di eventi, egli vede una sola catastrofe, che accumula senza tregua rovine su rovine e le rovescia ai suoi piedi. Egli vorrebbe ben trattenersi, destare i morti e ricomporre l’infranto. Ma una tempesta spira dal paradiso, che si è impigliata nelle sue ali, ed è così forte che egli non può più chiuderle. Questa tempesta lo spinge irresistibilmente nel futuro, a cui volge le spalle, mentre il cumulo delle rovine sale davanti a lui al cielo. Ciò che chiamiamo il progresso, è questa tempesta.” Walter Benjamin

“Ma se potessero, i morti senza più fine, una similitudine ancora / destare in noi, ci mostrerebbero forse i penduli amenti / di brullo nocciòlo, o la pioggia / che scende a primavera su bruna campagna. // E noi che a felicità pensiamo come a un salire / proveremmo il commosso tremore / che quasi sgomenta / quando qualcosa che è felice – cade.” Rainer Maria Rilke, “Elegie Duinesi” (tr. L. Cremonte)

L'articolo Stormy Weather (2022) proviene da Human Beings.

Nell\\'Opaco

Rivendico il diritto di ognuno all’opacità, ossia a non essere compreso totalmente e non comprendere totalmente l’altro. Bisogna vivere con l’altro e amarlo, accettando di non poterlo capire a fondo e di poter essere capiti a fondo da lui. Chiamiamo dunque opacità ciò che protegge il Diverso.

Eduard Glissant

Di e con: Enrico Bevilacqua, Alessia Bombaci, Chiara Borsini, Nicola Castellini, Nina Filippo, Agnese Garofalo, Maurizio Giacobbe, Nahom W. Hailemariam, Ali Hasnain, Talha Javed, Christine Lord, Ruize Ma, Mohammad Ali Montaseri, Arthur Nyangwa Njiomo, Maria Orsini, Walter Pituello, Anna Poppiti, Abanoub Saleh, Maria Alda Scarcella, Jhans A. Serna Rayme, Abanoub Saleh, Edoardo Spoto, Simone Tinarelli, Mahamadou Tounkara, Tomoya Tsujino.

Ideazione e regia: Danilo Cremonte

Luci: Stefan Godonoga, Cristhian Sorci. Assistente: Axel Lepper.

Frammenti della recensione dello spettacolo sul numero di Micropolis

«Se dunque il “mondo” non si riduce a quella che consideriamo la realtà, e c’è un “prolungamento” verso una dimensione diversa (dove anzi il diverso è “protetto”), tutti gli oggetti, le situazioni, le intenzioni che sono sulla scena, che avvengono nella scena, possono prolungarsi nel loro “diverso” e trasformare in qualche modo la realtà. Così le gabbie, simbolo del tormento di una prigionia che sembra senza scampo – sottolineata dal racconto del topolino di Kafka morto nella trappola, e poi ancor più da quel brano terrificante da Nella colonia penale, sempre di Kafka – possono diventare strumento di gioco, quasi di un balletto, rivelando la possibilità di una liberazione.»

Scarica la recensione completa in PDF

L'articolo Nell’Opaco (2021) proviene da Human Beings.

Dispersi

“… frammenti senza senso che vivono tristemente separati, come le stelle nella notte” (Robert Musil)

“Le case degli uomini formano costellazioni in Terra” (Gaston Bachelard)

“Dispèrso: (aggettivo) Sparso qua e là, di persone o animali che vagano in disordine, di soldati in rotta e sbandati, di popolazioni prive di unità e di guida; (sostantivo) Persona scomparsa in occasione di fatti bellici o di una catastrofe, senza che sia stato possibile recuperare la salma” (Dizionario Treccani).

La misura cautelare per la prevenzione della diffusione del virus, il cosiddetto “distanziamento sociale” (termine che forse dice più di quanto si vorrebbe), ha stravolto le relazioni interpersonali; le “mascherine” che nascondono gran parte del viso e i guanti che negano alle mani la tattilità, modificano la percezione dell’altro e del mondo che ci circonda.

Dispersi, sparpagliati nello spazio (open air), saranno gli spettatori, invitati a sperimentare una nuova relazione con gli attori e con lo spazio scenico, e a costruire ciascuno la sua propria (diversa dagli altri) visione dello spettacolo, in un personale montaggio dei materiali offerti.

Dispersi, spaesati, saranno gli attori, che, privati dell’abituale sicuro punto di riferimento di una visione frontale da parte del pubblico, sperimenteranno anche loro un diverso rapporto con lo spettatore, in uno spazio fluido e policentrico.

(“Disperso”,ci ricorda il dizionario, è definita pure la persona morta, la cui salma non è recuperata e che quindi resterà senza esequie: qualcosa avvicina i migranti morti in mare e nei deserti e i malati morti negli ospedali per coronavirus).

“Forse sarà la luce altra tortura. / Chi sa che cose nuove mostrerà.”  Le finestre, Konstantinos Kavafis

Di e con: Chiara Borsini, Nicola Castellini, Noah Jaden Cavadenti, Maria Fortuna, Agnese Garofalo, Stefan Godonoga, Nahom Worku Hailemariam, Christhine Lord, Ilaria Natale, Jean Philippe Ntamak, Maria Orsini, Lee Pet-Shan, Walter Pituello, Anna Poppiti, Agnese Ranocchia, Jhans A. Serna Rayme, Edoardo Spoto, Simone Tinarelli.

Ideazione e regia: Danilo Cremonte. Aiuto regista: Anna Poppiti. Luci: Axel Lepper.

Lo spettacolo fa parte del progetto “Human Beings 2020”, realizzato con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Perugia e dell’Università per Stranieri di Perugia; con il patrocinio di: Regione Umbria, Comune di Perugia, ANCI Umbria, Università degli Studi, Accademia Belle Arti; e la collaborazione di Arci Perugia, Soc. coop. Perusia, “Unitatis Redintegratio”.

(…) nello spettacolo si sente tutta la nostalgia di quei contatti mancati, ognuno chiuso nella dimensione “domestica” (e heimlich coincide con il suo contrario, unheimlich, secondo Freud) del confinamento, ma non rassegnato alla perdita… Ma se questo è fondamentalmente il testo – di grande fascinazione, nel variare continuo di prospettiva – dello spettacolo, interessante e sorprendente è il contesto (destinato a diventare testo a sua volta), e cioè il “trattamento” riservato al pubblico: ogni singolo spettatore viene accompagnato al suo posto, ben dentro la scena ancora tutta illuminata dello spettacolo, e lasciato lì separato da tutti gli altri, solo. Ben presto si troverà circondato dagli attori, impegnati su tutto lo spazio di cui lo spettatore (ogni spettatore) sarà improvvisamente al centro (…) 
Estratto da: Dispersi: i “contatti mancati” (Walter Cremonte, Micropolis-il manifesto 8/10/2020)

Testo integrale della recensione Dispersi: i “contatti mancati” (Walter Cremonte, Micropolis-il manifesto 8/10/2020)

DISPERSI: i “contatti mancati”
Il nuovo spettacolo di Human Beings

Com’è andare a teatro in tempi di coronavirus? Certo non si può pensare che tutto sarà come sempre, sarà certo un’altra cosa. E chissà se questa situazione nuova, con tutti gli accorgimenti e tutti i limiti imposti, distanziamento sociale e tutto il resto, non possa produrre qualcosa di veramente nuovo, di radicalmente diverso dal solito: magari sapendo trasformare i condizionamenti e gli impedimenti in uno stimolo positivo verso soluzioni impreviste e sorprendenti. Come si dice, di necessità virtù … Così è stato, mi sembra, con Dispersi, l’ultimo spettacolo – o “gioco scenico” – del Laboratorio teatrale interculturale Human Beings di Danilo Cremonte, rappresentato nei primi sei giorni di settembre nel Chiostro di S. Anna a Perugia. Costretto gioco forza a fare i conti con il lockdown, il laboratorio – di cui lo spettacolo è solo l’elemento conclusivo – non ha potuto, quest’anno, seguire il suo normale svolgimento, fatto di incontri, esercizi, improvvisazioni, scoperte … Soprattutto di incontri, e di contatti: si sa quanto il laboratorio di Danilo punti sui contatti, che fanno umani gli esseri umani, sin dalla grande lezione del Kontakthof di Pina Bausch. E nello spettacolo si sente tutta la nostalgia di quei contatti mancati, ognuno chiuso nella dimensione “domestica” (e heimlich coincide con il suo contrario, unheimlich, secondo Freud) del confinamento, ma non rassegnato alla perdita: questa nostalgia, questo cercarsi e perdersi continuato di solitudini non arrese è un po’ la cifra dello spettacolo, che trova un suo momento rivelatore nella bellissima, struggente canzone di Rustichelli Sinnò me moro (“Vojo resta’ co’ te sinnò me moro”) intonata splendidamente a due voci da due protagoniste lontane l’una dall’altra (forse un ricordo dei canti dai balconi?), eppure così vicine nel desiderio e nel rimpianto. È un cercare ancora qualcosa che è fuori, e qui non è tanto il lockdown quanto una condizione esistenziale più generale, che crea momenti di grande suggestione (e commozione) come la sequenza stupenda delle finestre vaganti, attraversati all’improvviso da lampi di inquietudine (le corse impazzite nel buio). Ma se questo è fondamentalmente il testo – di grande fascinazione, nel variare continuo di prospettiva – dello spettacolo, interessante e sorprendente è il contesto (destinato a diventare testo a sua volta), e cioè il “trattamento” riservato al pubblico: ogni singolo spettatore viene accompagnato al suo posto, ben dentro la scena ancora tutta illuminata dello spettacolo, e lasciato lì separato da tutti gli altri, solo. Ben presto si troverà circondato dagli attori, impegnati su tutto lo spazio di cui lo spettatore (ogni spettatore) sarà improvvisamente al centro. E scoprirà, da dentro, tutta la complessità (e la bellezza) della messa in scena, e in particolare di quest’uso sapiente, quasi magico, delle luci, che seguono e accompagnano gli attori in ogni loro scorreria. Non è solo saltata la famosa quarta parete, qui pareti non ce ne sono proprio e lo spazio scenico con gli attori e gli spettatori è tutt’uno con tutto lo spazio fisico disponibile: questo bellissimo chiostro, con i suoi alberi magnifici, i portici semibui sullo sfondo e il suo pozzo, dal quale a un certo punto emergeranno le parole da Finale di partita di Beckett, che si uniranno alle parole di Rabelais, Kafka, Kavafis, Pasolini …

Non ci sarà, questa volta, la scena “di massa” a cui il teatro di Human Beings ci ha abituati, volta a sciogliere (magari nei toni comici) le tensioni accumulate dalla drammaturgia. Le regole del distanziamento lo vietano. Ma ci sarà – in un crescendo di rara intensità – un convergere di tutti gli attori al centro, in un ricordo commosso dei tanti morti in mare (dispersi, senza una tomba, che forse qui, come in un cimiterino di campagna, trovano un po’ di pace) e nell’omaggio forte e coinvolgente a black lives matter: in quei pugni chiusi tanti di noi si sono ritrovati, e credo che l’applauso lungo e convinto, subito dopo, lo abbia dimostrato.

Walter Cremonte

L'articolo Dispersi (2020) proviene da Human Beings.

Nubi

“E quindi un cielo variamente sparso di nuvoletti, è forse più piacevole di un cielo affatto puro”

Giacomo Leopardi, Lo Zibaldone

Ma non ci sono solo le nuvole, non c’è solo l’alto a cui naturalmente aspiriamo, e a provarlo c’è pure un buffo palloncino che non vuole saperne di innalzarsi, contro ogni principio della fisica e contro anche i tanti sospiri poetici che hanno sempre accompagnato i voli dei palloncini. C’è anche il basso, c’è soprattutto il basso. Ci sono le pietre, che sembrano rievocare un permanente, universale supplizio di Sisifo. Pietre che richiamano un senso di pesantezza e d’inciampo, e anche di perdita e di lutto.
(…) A unire i due livelli è una chiave umoristica, che sa accogliere le diverse sfumature, risolvendole l’una nell’altra: come proprio le nuvole, nella poesia di Wislawa Szymborska che conclude lo spettacolo: “già dopo una frazione di secondo / non sono più quelle, stanno diventando altre”.
Ma quando, anche qui, ritorna il racconto dell’esilio e del naufragio ai gesti netti, precisi si accompagnano parole che non lasciano scampo. E non sono le parole di una interpretazione della realtà, non sono più attori che ci parlano, o attori che parlano per “dare voce” a qualcun altro: sono i protagonisti, i testimoni in prima persona del racconto. Prima degli orrori del campo di concentramento libico, poi dell’affondamento e della morte di tanti nel mare.
E allora il teatro diventa altra cosa, l’atto scenico trascende se stesso per diventare pura vita. Non l’eco della vita.
Ma uno che si salva dal naufragio ci sarà, e noi siamo di nuovo a teatro, e possiamo tornare a sperare: aiutato da una mano che si protende nel buio, salirà e sarà come se volasse.
L. C. “Cosa sono le nuvole” Il nuovo spettacolo di Human Beings
Micropolis– il manifesto, 27 luglio 2019

Ideazione e regia: Danilo Cremonte
Di e con: Olegan E. Aliev, Chiara Borsini, Nicola Castellini, Irina Constantin, Adama Dembele, Mamadou Diallo, Perla Dieli, Tang Duanqi, Maria Fortuna, Agnese Garofalo, Stefan Godonoga, Dario Goricchi, Marco Lapenna, Axel Lepper, Ilaria Natale, Jean Philippe Ntamak, Enio Pallaracci, Roberta Papp, Lee Pet-Shan, Walter Pituello, Anna Poppiti, Rodolfo Rotini, Jhans A. Serna Rayme, Edoardo Spoto, Simone Tinarelli, Moritz Wever, Lai Zhengyi (provenienti da: Camerun, Cina, Germania, Danimarca, Guinea, Italia, Moldavia, Mali, Perù, Romania, Russia, Taiwan, Ungheria).
Luci: Christian Sorci e Nahom Worku Hailemariam. Foto: Thomas Clocchiatti. Musiche: A. P. Borodin, F. Deroussen, A. Pärt, R. Sakamoto, F. Schubert, D. Šostakovič, Goblin, motivi popolari russi, canti del Camerun.
Testi: F. De André – M. Pagani, G. Leopardi, F. Mannocchi, J. Mitchell, P. P. Pasolini, W. Szymborska

Testo integrale della recensione “Cosa sono le nuvole”
L. C. Micropolis-il manifesto, 27/07/2019

Il terreno è spoglio, pronto ad accogliere polvere e acqua e anche una strana sostanza bianca, lattiginosa, vaporosa, che sembra la materia di cui sono fatte le nuvole. Questa sostanza misteriosa, piacevole alla vista, a cui dona un senso di freschezza, ma anche in qualche modo minacciosa (come tutte le cose che non conosciamo) arriva trasportata in un baule, oppure avvolge i corpi degli attori e sbuca da tutte le parti. E’ all’altezza di noi spettatori, che potremmo quasi allungare una mano per toccarla, o provare a odorarla; ma se ne va subito, svapora e scompare. Siamo davanti alla scena bellissima del chiostro di S. Anna a Perugia, luogo privilegiato degli spettacoli di Human Beings; si mette in scena il “gioco scenico” intitolato, appunto, Nubi, che segna il venticinquesimo anno di attività del Laboratorio teatrale interculturale diretto da Danilo Cremonte. E di nuvole si parla fin dall’inizio, sulla scorta del testo di De André e Pagani (“Vanno / vengono / ogni tanto si fermano …”) che suscita subito in molti di noi un grato ricordo, pieno di nostalgia. E poi, a proposito di nostalgia di un tempo tanto migliore, tanto più ricco di questo, la citazione bellissima e pienamente azzeccata del film di Pasolini Cosa sono le nuvole: “Iiiih, che so’ quelle?” “Sono le nuvole” “E che so’ le nuvole? … Quanto so’ belle! Quanto so’ belle!”, nel romanesco di Ninetto Davoli compagno di Totò. Del resto, a garantire della bellezza-piacevolezza delle nuvole, del loro interrompere la monotonia di un cielo uniforme, c’è una pagina dello Zibaldone di Leopardi, della sua straordinaria, originalissima teoria del piacere. Ma non ci sono solo le nuvole, non c’è solo l’alto a cui naturalmente aspiriamo, e a provarlo c’è pure un buffo palloncino che non vuole saperne di innalzarsi, contro ogni principio della fisica e contro anche i tanti sospiri poetici che hanno sempre accompagnato i voli dei palloncini. C’è anche il basso, c’è soprattutto il basso. Ci sono le pietre, che sembrano rievocare un permanente, universale supplizio di Sisifo. Pietre che richiamano un senso di pesantezza e d’inciampo, e anche di perdita e di lutto. E non si pensi che questo passaggio da alto a basso, da leggero e aereo a pesante e terrestre sia così brusco e immotivato come può sembrare dalle parole di questa non facile sintesi: in questo spettacolo non è così accentuato, come in altri di Danilo, l’aspetto puramente, drasticamente comico, che qui si limita, mi pare, ad un’unica situazione che, al fondo, è un cenno di sano antimilitarismo (l’epopea sgangherata, demenziale, di aerei che miseramente precipitano). Qui, a unire i due livelli è piuttosto una chiave umoristica, che sa accogliere le diverse sfumature, risolvendole l’una nell’altra: come proprio le nuvole, nella poesia di Wislawa Szymborska che conclude lo spettacolo: “già dopo una frazione di secondo / non sono più quelle, stanno diventando altre”. Ma quando, anche qui, ritorna il racconto dell’esilio e del naufragio ai gesti netti, precisi si accompagnano parole che non lasciano scampo. E non sono le parole di una interpretazione della realtà, non sono più attori che ci parlano, o attori che parlano per “dare voce” a qualcun altro: sono i protagonisti, i testimoni in prima persona del racconto. Prima degli orrori del campo di concentramento libico, poi dell’affondamento e della morte di tanti nel mare. E allora il teatro diventa altra cosa, l’atto scenico trascende se stesso per diventare pura vita. Non l’eco della vita.
Ma uno che si salva dal naufragio ci sarà, e noi siamo di nuovo a teatro, e possiamo tornare a sperare: aiutato da una mano che si protende nel buio, salirà e sarà come se volasse.    

L'articolo Nubi (2019) proviene da Human Beings.

Via di qua

Comandai di andar a prendere il mio cavallo dalla stalla. Il servo non mi comprese. Andai io stesso nella stalla, sellai il cavallo e montai in groppa. Udii suonare una tromba in lontananza e domandai al servo che cosa significasse. Egli non lo sapeva e non aveva udito niente. Presso il portone mi trattenne e chiese: “Dove vai, signore?”. “Non lo so” risposi. “Pur che sia via di qua, via di qua, sempre via di qua, soltanto così posso raggiungere la meta”. “Dunque sai quale è la tua meta” osservò. “Sì” risposi. “Te l’ho detto. Via-di-qua; ecco la mia meta”. “Non hai provviste con te” disse. “Non ne ho bisogno” risposi. “Il viaggio è così lungo che dovrò morir di fame se non trovo nulla per via. Nessuna provvista mi può salvare. Per fortuna è un viaggio veramente straordinario”.
Franz Kafka, La Partenza

“L’umorismo più confonde le tracce, meglio sa dove va… l’umorismo è la coscienza in viaggio… è per strada, non è mai arrivato, va altrove, sempre al di là… e ci lascia -secondo la bella espressione di Rilke- da qualche parte, nell’incompiuto.”
Vladimir Jankélévitch, Da qualche parte, nell’incompiuto

“Via di qua” assume un senso fortissimo, radicale, e insieme assolutamente disperante. “Via di qua, ecco la mia meta”: è una meta, ma con una valenza tutta negativa. In una scena che riassume, si può dire, il senso di questo spettacolo due ragazze guardano lontano e si incoraggiano a vedere come è bello, ma la conclusione è che non c’è niente, proprio niente, da vedere. E allora non resta che l’umorismo, a smascherare (ecco un verbo programmatico di questa ricerca teatrale, da sempre) il senso comune. A ridicolizzare le nostre misere certezze, i nostri auto-inganni: “Come va?” “Tutto bene, tu?” e quel “Tutto bene, tu?” diventa un ritornello ripetuto senza tregua (facilitato anche dall’allitterazione) fino a diventare una specie di balletto grottescamente ritmato. Senza più nessun senso, se non quello della propria negazione. E così sono tutti i tentativi di incontro, di dialogo, tutti i poveri progetti vanificati dal proprio fallimento. Non resta nulla. O forse sì? A un certo punto assistiamo all’insegnamento di una canzoncina in dialetto veneto su come fare la polenta ecc. a un giovane (pensiamo, immigrato) africano, e quello ripete tutto contento la filastrocca divertendosi un mondo: si tratta di integrarlo, no?, e lui riceverà in compenso una bandierina dell’Unione Europea e un benvenuto. Ma siamo al grado zero dello scambio culturale, meglio via di qua… Sono scene, sketch, a volte –come questa – divertentissimi e sempre di grande intelligenza, ma non si può dire che se ne esce davvero confortati. E del resto non era certo questa l’intenzione di uno spettacolo serio e profondo, fortemente critico come deve essere (sotto la veste leggera, quasi da vaudeville: ma non si tratta di un gioco gratuito, come ci chiarisce fin da subito una delle prime scene: una scena di pesca feroce tra mani affioranti di naufraghi che chiedono aiuto…). L.C. Micropolis – il manifesto 27/07/2018

Ideazione e regia: Danilo Cremonte 
Di e con: Chiara Borsini, Nicola Castellini, Davide Chiodi, Nicola Chiodi, Essa Darwish, Mamadou Diallo, Jiang Fan, Bernard Forson, Antonio Franco, Agnese Garofalo, Szilard Gaspar Barra, Stefan Godonoga, Annelore van Gool, Zhang Guowei, Tokyo Japan, Huo Junxiao, Deng Linming, Christine Lord, Antonio Mangiavillano, Beatrice Marani, Jean Philippe Ntamak, Tom O’Loughlin, Li Peining, Walter Pituello, Rinnah Post, Greta Romani, Maria Alda Scarcella, Jhans A. Serna Rayme, Edoardo Spoto, Sveva Stancati, Simone Tinarelli, Lisa Verschuren, Mariya Yiudinsteva (provenienti da Camerun, Cina, Francia, Ghana, Guinea, Italia, Kazakistan, Libia, Moldavia, Nigeria, Paesi Bassi, Perù, Regno Unito, Romania, Stati Uniti).
Luci: Axel Lepper e Christian Sorci. Video: Stefano Ceccarelli. Foto: Thomas Clocchiatti

Testo integrale della recensione VIA DI QUA, CON HUMAN BEINGS di L. C. (Micropolis-il manifesto 27/07/2018)

“Dove vai, signore?” “Non lo so” risposi. “Pur che sia via di qua, via di qua, sempre via di qua, soltanto così posso raggiungere la meta.” “Dunque sai qual è la tua meta” osservò. “Sì” risposi. “Te l’ho detto. Via-di-qua; ecco la mia meta.”Questo è Kafka, che si conferma come un riferimento fondamentale (e non potrebbe essere altrimenti) della ricerca teatrale di Human Beings. E’ il racconto La partenza ed è da qui che l’ultimo spettacolo di Human Beings ha tratto il suo titolo, Via di qua, oltre al consueto Gioco scenico di varia umanità che sottolinea (e riconosce) l’apporto decisivo dei tanti attori e insieme coautori (33 tra studenti, lavoratori, disoccupati, richiedenti asilo) provenienti da ogni parte del mondo (Camerun, Cina, Francia, Ghana, Guinea, Italia, Kazakistan, Libia, Moldavia, Nigeria, Paesi Bassi, Perù, Regno Unito, Romania, Stati Uniti), coordinati e diretti da Danilo Cremonte. Certo, non è immediata la riconoscibilità del testo kafkiano (come poi anche di altri testi a cui lo spettacolo si ispira: Brecht, Enzensberger…) pronunciato in un francese d’Africa; è strano, anche se dalla resa perfetta: la lingua di Molière e di Racine in bocca a popoli espropriati di tutto, anche della propria lingua madre (la lingua della mamma)! E’ bello, in un certo senso è confortante, provare ancora la vivezza di una vecchia lingua neolatina ormai quasi fuori dalla storia, ma non puoi cancellare il pensiero spaventoso che ti prende di un dominio e di una violenza di cui l’Europa non finirà di vergognarsi. In quella stessa lingua sentiremo anche un monologo straordinario nella sua essenzialità sul senso (o non senso) del viaggiare, dell’andare, da un posto all’altro: per poter mangiare, per avere un tetto che ti ripari dalla pioggia, ma poi per poter ritornare – però, con dignità. E qui il pensiero, inevitabilmente, va a chi quel ritorno non potrà compierlo, perché magari ucciso da una fucilata, lì sul posto di lavoro. “Via di qua” allora assume un senso fortissimo, radicale, e insieme assolutamente disperante. “Via di qua, ecco la mia meta”: è una meta, ma con una valenza tutta negativa. In una scena che riassume, si può dire, il senso di questo spettacolo due ragazze guardano lontano e si incoraggiano a vedere come è bello, ma la conclusione è che non c’è niente, proprio niente, da vedere. E allora non resta che l’umorismo, a smascherare (ecco un verbo programmatico di questa ricerca teatrale, da sempre) il senso comune. A ridicolizzare le nostre misere certezze, i nostri auto-inganni: “Come va?” “Tutto bene, e tu?” e quel “Tutto bene, e tu?” diventa un ritornello ripetuto senza tregua (facilitato anche dall’allitterazione) fino a diventare una specie di balletto grottescamente ritmato. Senza più nessun senso, se non quello della propria negazione. E così sono tutti i tentativi di incontro, di dialogo, tutti i poveri progetti vanificati dal proprio fallimento. Non resta nulla. O forse sì? A un certo punto assistiamo all’insegnamento di una canzoncina in dialetto veneto su come fare la polenta ecc. a un giovane (pensiamo, immigrato) africano, e quello ripete tutto contento la filastrocca divertendosi un mondo: si tratta di integrarlo, no?, e lui riceverà in compenso una bandierina dell’Unione Europea e un benvenuto. Ma siamo al grado zero dello scambio culturale, meglio via di qua… Sono scene, sketch, a volte –come questa – divertentissimi e sempre di grande intelligenza, ma non si può dire che se ne esce davvero confortati. E del resto non era certo questa l’intenzione di uno spettacolo serio e profondo, fortemente critico come deve essere (sotto la veste leggera, quasi da vaudeville: ma non si tratta di un gioco gratuito, come ci chiarisce fin da subito una delle prime scene: una scena di pesca feroce tra mani affioranti di naufraghi che chiedono aiuto…). E poi non è vero che non c’è proprio niente da vedere, come nello sconforto di quelle due ragazze: c’è, appunto, tutto il lavoro di un Laboratorio come Human Beings – e sempre più sentiamo la autenticità e la necessità di questo nome – che realizza un vero incontro culturale attraverso il teatro e che supplisce (ma il termine non va bene, può suonare come un alibi) al tanto che manca, al tanto che mancherà sempre di più se continuerà (e continuerà) il degrado verso la nuova barbarie dei tempi. E’ qualcosa che andrebbe sostenuto con forza, come il lavoro (certo, su un altro piano) delle O.N.G. in mare, che invece sono criminalizzate. E come quello che recentemente ha scritto benissimo sul suo blog prezioso Salvatore Lo Leggio: “Non basta essere buoni. Buonisti bisogna essere, parteggiare per la bontà, per il bene; altrimenti si diventa partecipi del male, della malvagità. Buonista è parola che va difesa dallo sprezzo e dal fraintendimento dei cattivisti… E’ certo importante essere buoni per proprio conto, ma poi bisogna anche prendere posizione…” Stare con tutto ciò che “ostacola e resiste”, avrebbe detto il poeta.       

L'articolo Via di qua (2018) proviene da Human Beings.

“Oh Gregor!” gioco scenico in una stanza

“Oh Gregor! gridò la sorella col pugno levato e lo sguardo penetrante. Dalla sua metamorfosi erano le prime parole che gli rivolgeva direttamente.”
Franz Kafka, La metamorfosi.
Lo spettacolo Oh Gregor! trae spunto da diversi racconti di Franz Kafka, in particolare La metamorfosi. Kafka non voleva che nella copertina del libro comparisse una affigurazione di Gregor (l’Ungeziefer, l’insetto immondo che “non lo si può far vedere neanche da lontano”), e lo spettacolo non è la rappresentazione del racconto. Le azioni e i gesti degli attori (coautori del pezzo), il gioco di luci e ombre, le musiche (soprattutto Lieder tedeschi – i cui testi non sono secondari – ma anche melodie klezmer e la canzoncina d’amore preferita da Kafka), forniscono continuamente nuovi spunti allo spettatore che assiste davanti a sé allo sbocciare poetico dell’opera, nella libertà di crearsi ciascuno la propria
visione. Attraverso l’uso di pochi oggetti, la stanza si trasformerà nel corso dello spettacolo in un ripostiglio, dove l’insetto umano – condannato a morte – costruirà la sua tana (altro racconto di riferimento), dove ritirarsi in attesa della fine.

Ideazione e regia: Danilo Cremonte.
Di e con: Stefan Godonoga, Arian Imani, Axel Lepper, Rita Marinelli, Anna Poppiti, Jhans Serna Rayme e di Waqas Ali Majeed . Assistente: Christine Lord.
Luci: Christian Sorci. Foto: Thomas Clocchiatti.
Testi di riferimento: Franz Kafka (in particolare La metamorfosi e La tana)
Musiche:
Nacht und Träume , F. Schubert – M. von Collin
Eden, N. Kennedy and the Kroke Band
Nun will die Sonn’ so hell aufgehn , G. Mahler – F. Rückert
Num leb’ wohl, du kleine Gasse , F. Silcher – A. von Schlippenbach (la canzone preferita da Kafka, secondo R. Stach)
Ständchen, F. Schubert (versione per violino)
Shapiros Korohod, Budowitz (musica klezmer)
Beim schlafengehen, R. Strauss – H. Hesse
Versi di animali

“Charlottenburg, 10/4/17. Egregio Signore, Lei mi ha reso infelice. Ho acquistato la Sua Metamorfosi e ne ho fatto dono a mia cugina. Ma lei non riesce a spiegarsi la storia. Mia cugina l’ha data a sua madre, nemmeno lei è in grado di spiegarla. La madre ha dato il libro all’altra mia cugina e neppure lei sa fornire una spiegazione. Ora si sono rivolte a me. Dovrei essere io a spiegare loro la storia, essendo il laureato della famiglia. Ma io non trovo risposte. Signore! Ho affrontato per mesi, in trincea, i russi senza batter ciglio. Ma non potrei mai sopportare l’idea che la mia reputazione presso le cugine vada in malora. Solo Lei può aiutarmi. Deve farlo; perché Lei mi ha cacciato nei guai. Mi dica, dunque, per favore, quale costrutto mia cugina debba ricavare dalla Metamorfosi. Con la più alta stima sono il Suo devotissimo dott. Siegfried Wolff.” Lettera indirizzata a Franz Kafka, riportata da Reiner Stach in Questo è Kafka?
“Se il bocciolo si dispiega nel fiore, il bastimento di carta, che si insegna a fare ai bambini, si «dispiega in un foglio liscio». E questo secondo tipo di «spiegazione» è propriamente adeguato alla parabola, al piacere del lettore di stenderla, finché il suo
significato sia del tutto «piano». Ma le parabole di Kafka si dispiegano nel primo senso, e cioè come il bocciolo diventa fiore. Perciò il loro prodotto è affine alla poesia.”
Walter Benjamin, Franz Kafka, in Angelus Novus
“Ciascun personaggio di Kafka si trova rinchiuso nella barzelletta della propria vita come un pesce in un acquario; e la cosa non lo diverte affatto. Perché una barzelletta è divertente solo per chi è davanti all’acquario; la kafkianità, invece, ci fa entrare nelle
viscere di una barzelletta, dentro l’orrore del comico.” Milan Kundera, L’arte del romanzo
“Tutte le sue opere rappresentano l’orrore di equivoci misteriosi e di una colpa scevra di colpe negli esseri umani.” Milena Jesenská, Elogio funebre di Kafka
“Il sacrificio rituale, si sa è ricorrente in Kafka, dalla Colonia al Processo. Intorno a Gregor mutato in Ungeziefer ruota insomma tutta una costellazione del Sacro e delle sue tensioni polari; la tradizione mosaica e quella greca; il corpo che la serva dice «piatto
e risecchito» dell’umano insetto morto e divenuto spazzatura e quello dei campi nazisti; la violenza religiosa e la metamorfosi cristiana dell’anima che esce dall’involucro e, dice Dante, «vola alla giustizia». ” Franco Fortini, Nota del traduttore (Nella Colonia penale e altri racconti)
“Non lo si può far vedere neanche da lontano.” Franz Kafka al suo editore.

La critica

Dalla recensione di Ilaria Rossini,  “Teatro e Critica” 31 gennaio 2018

«Il segreto di Kafka […] sta nell’esprimere la tragedia per mezzo dell’elemento quotidiano, e l’assurdo per mezzo di quello logico». Queste sono le parole di Albert Camus nell’Appendice su Kafka, posta a chiusura della seconda edizione (1948) del suo saggio Il mito di Sisifo.  Il filosofo francese si riferisce alla caratteristica della scrittura kafkiana per la quale l’apparizione dell’assurdo può verificarsi attraverso il posizionamento di elementi del tutto logici in sé che però, simili a specchi concavi opportunamente e alogicamente orientati, riescono a cauterizzare la superficie liscia e lucida dei fenomeni. Questa precisa configurazione narrativa sembra essere ripresa, a livello scenico, dallo spettacolo “Oh Gregor!”. (…)
In questo paesaggio sonoro, scricchiolante e fantasmatico insieme, si muovono – senza quasi proferire parola per tutto il tempo – i sei interpreti (e co-autori) della pièce. Si aggirano tra i pochi pezzi di arredo lignei e semplici, costante oggetto di un gioco di ri-funzionalizzazioni che, con i sobri artifici del teatro povero, si accorda bene alla funzione narrativa della quale si diceva, l’evocazione di un mistero terribile attraverso la giustapposizione di eventi e oggetti della quotidianità, l’emorragia di un orrore sotteso alla conformazione del mondo. Ciascuno di loro assumerà, per qualche passaggio, le posture deformate dell’insetto, ne mimerà le strategie di movimento, le laboriose meccaniche di aggregazione, le tremende paure. Ma, in coerenza con un tratteggio che complica la linearità narrativa de La metamorfosi infittendone la suggestione, nella claustrofobia di un ambiente che brulica di dissonanze, si staglieranno momenti di leggiadria. (…)
Il grande lavoro sui testi e sui frammenti, condotto insieme ad allievi provenienti da tutto il mondo, sembra aggiungere una particolare tridimensionalità culturale all’operazione, alcune dolenti ombreggiature sul tema del respingimento, una nota appena più vibratile all’inestricabile interrogazione sulla definizione dell’umano. Ed è proprio la kafkiana «mancanza di meraviglia» postulata da Camus – una descrizione dell’orrore mai stupefatta e mai enfatica – che, sulla scena di Cremonte, si fa progressivamente più avvertibile, definendo, in un solo tratto, la natura proliferante dell’alienazione, l’insufficienza a fenderla del moto perpetuo del ragionamento e l’estinzione del sentimento che la osserva.

Dalla recensione di Roberto Lazzerini, Micropolis – il manifesto 27 giugno 2017

Mentre scorreva l’evento teatrale di questo nuovo lavoro, ad ogni scena, già mi rammaricavo che la sua fisionomia non fosse già scolpita per sempre. Il foglio liscio del luogo teatrale ogni sera successiva non riceverà gli stessi gesti con la stessa durata, ma il nucleo gregoriano, cui ha guardato Danilo Cremonte nell’allestirlo con l’essenzialità del suo teatro povero, rimane impresso come in una pellicola, che ogni spettatore svilupperà nella sua camera oscura. (…)
Al centro della scena perciò abbiamo la stanza di Gregor e la tana dell’animale che diviene, rifugio e ricovero. All’inizio, stanza della metamorfosi e alla fine tana della sepoltura. L’abbiamo visto questo commesso viaggiatore tornare da uno dei suoi ripetuti itinerari, con la valigia del migrante, dell’ebreo errante, del piccolo borghese dell’Europa orientale e già abbiamo osservato la sua rabbrividente metamorfosi: la perdita della postura eretta in continue cadute e il movimento sulla schiena a quattro zampe. Se il protagonista è ripartito in quattro non è soltanto per una spinta laboratoriale ma è lo stesso, come in una sovrimpressione cinematografica, nelle quattro volte in cui cambia direzione per salvare ciò che è possibile dall’invadenza  della madre e della sorella, che tolgono alla stanza la sua fisionomia familiare per lasciare rintanarvelo, i quattro attori sono i suoi movimenti, risoluti e  forsennati in ogni direzione, quando affronta il padre, che come il dio assente e sempre presente, cui si rivolge lo scrittore nella famosa lettera, invia una pioggia di mele, di cui una sola trafiggerà la schiena del povero Gregor e di cui morirà. (…)
Tutti bravi, come si dice, ma davvero.   

Dalla recensione di Sara Oriani, “La Locomotiva” 1/11/2017

I personaggi non proferiscono se non qualche babelica parola, mentre la scena è popolata da versi elettrici di insetti e dai passi veloci degli attori che zampettano per la stanza convulsamente. In questa tana gli insetti si muovono al ritmo marziale dei soldatini che battono in ritirata sotto i mobili, acquattandosi furtivi all’udire rumore di passi umani, spaventati per la paura o, invece, avvicinati per la fame, secondo l’istinto. (…)
Lo spettacolo non lascia lo spazio per commuoversi e Cremonte riformula il linguaggio del corpo, spezza i movimenti degli arti e dota i suoi attori di zampette e corazza, interrogandosi sul senso dell’essere umani e, anzi, no ai limiti in cui questo “umano” si trasforma nell’Ungeziefer, l’insetto immondo. (…)
S’intravede tuttavia, tra i ghigni di strambi personaggi con il sigaro, sadiche lapidazioni di mele e sputi denigratori, nello straziante suono del violino da parte di una ragazza la cui ombra sulla parete disegna un’immagine leggiadra, la possibilità del bello. (…)
Uno spettacolo autentico e poetico, di cui sentivamo assolutamente il bisogno.

Dalla recensione di Jingyi Wang (Prof. Shandong University of Art)
“Il Mondo nelle Prove”

Il palcoscenico del teatro è quadrato e rappresenta un soggiorno molto buio; gli attori sono gli ospiti che Cremonte ha invitato per conto di Kafka. Guardando dalla platea, la stanza sembra uno scorcio di strada. (…)
Questa camera scura è una buona incubatrice ed è anche un ottimo luogo in cui evolversi, ritrovarsi e combattere. Sia da uomini che da scarafaggi fanno avanti e indietro nella stanza e ripetono la routine quotidiana.
La debole luce nella stanza illumina la figura degli attori e il tempo e lo spazio sono centrati su di essa. Un passo diventa la misura del tempo, la velocità e la lunghezza del passo misurano il suo scorrere; Gregor cammina tra la folla con la valigetta in mano. Chi conosce meglio la strada di un commesso viaggiatore? (…)
Le cataste di oggetti sul palco sono il punto di collegamento tra il mondo e la terra e Gregor, scavando una tana in questo punto, è ritornato allo stato originario della vita. Questa occasionale evoluzione inversa ha fatto sì che si completasse la trasformazione dell’identità del commesso viaggiatore. Da questo momento lui vede il mondo solo dal punto di vista di una forma di vita pura, naturale. (…)
Come ha detto il regista: “La morte è uno dei modi per esplorare e raggiungere la pace”, ma la corda alla fine non viene stretta e, grazie anche alla lettura dell’officiante, Gregor potrebbe aver trovato una via per la salvezza. Questa cerimonia della morte è la rimozione del trucco da parte del personaggio, è l’inserirsi del mondo nelle prove, perché finché a Gregor rimane un respiro, il giudizio finale non arriverà perché la radice del mondo è ancora legata alla terra, la prova è ancora in corso.

L'articolo Oh Gregor! (2017) proviene da Human Beings.

Brand

“Il consumatore è un lavoratore che non sa di lavorare” Jean Baudrillard, 

“Brand”: marchio; marca; marchio a fuoco; marchio d’infamia, stigma.  La p/ossessione del Marchio, incarnazione di concetti, valori, emozioni. In continue e mutevoli passerelle vediamo sfilare esempi di varia umanità, coccolati dalla favola avvelenata del vivere nel migliore dei mondi possibili. Situazioni comiche e drammatiche si mescolano senza soluzione di continuità, in un variopinto gioco di luci e musiche.

(…) Le sfilate “armaniane” irrise, il vecchio Carosello sbeffeggiato (…), fino alla pubblicità irridente della bara, della morte…  E’ tutto un susseguirsi di scene ora comiche ora drammatiche che non lasciano fiato, che provocano quasi uno stordimento nello spettatore, simile a quello che prende il consumatore perduto nel mondo delle merci. Ma l’ironia, il senso parodistico, s’incaricano ogni volta di mantenere sveglia, vigile l’attenzione critica. E se niente in questa realtà rovesciata è come appare (niente è la parola che si sente di più), è anche vero che il rovesciamento può dare talvolta un effetto felice inatteso: le coperte termiche che avvolgono i naufraghi fanno giochi di luce che sembrano negare, occultare la realtà della tragedia. Ma poi si prestano, proprio per la loro luccicanza così viva, così suggestiva, a “vestire” una danza africana bellissima, che immaginiamo svolgersi sulla banchina di un porto d’approdo. Le coperte termiche: da segnali della disperazione a indicatori di una speranza. Ma è più probabile che l’inganno sveli la sua faccia più ignobile: è tutta la lunga sequenza che potrebbe avere titolo “un mondo da favola” (non perché bello come nelle favole, ma per le bugie che la favola ci racconta) a mostrarcelo, con la regina che tenta con la sua mela avvelenata (Apple?) i poveri sette nani che “vanno a lavorare” dove lavoro non c’è: non c’è proprio niente all’orizzonte, basta che uno di loro se ne accorga e lo dica, come direbbe che “il re è nudo”. E frattanto l’imbonitore di turno (ma, scopriremo, è proprio il mitico, leggendario Steve Jobs, con una mela in mano: e questa volta è sicuramente Apple!) esalta le qualità del ribelle, dell’anticonformista, del folle (che sarebbe lui) che “cambia il mondo”. La più grande intrapresa del capitale mondiale diventa la vera rivoluzione. E noi che avevamo pensato… Tutti bravi i giovani attori/coautori (studenti, lavoratori, disoccupati, richiedenti asilo…) provenienti da ogni parte del mondo (Cina, Etiopia, Francia, Georgia, Ghana, Guinea, Inghilterra, Iran, Italia, Libia, Moldavia, Nigeria, Perù, Polonia, Senegal, Stati Uniti). 
L. C. “Un mondo da favola?”
Micropolis – il manifesto 27 luglio 2017

Ideazione e regia: Danilo Cremonte
Di e con: Claudia Chiavarini, Hamraz Rahimi Darugar, Essa Darwish, Mamadou  Hassimiou Diallo, Bernard Forson, Giulia Galdelli, Federico Gasparetto, Stefan Godonoga, Nahom Worku Hailemariam, Arian Imani, Giorgi Kochua, Viola Lopez, Christine Lord, Zhang Lumean, Nastaran Makaremi, Raniero Marchetti, Mohammad Ali Montaseri, Silvia Moriconi, Ilaria Natale, Tom O’ Loughlin, Michael Omote, Tokyo Japan, Enio Pallaracci, Ilaria Pigliautile, Walter Pituello, Anna Poppiti, Giulia Radi, Maria Alda Scarcella, Jhans A. Serna Rayme, Simone Tinarelli, Julja Tyszka, Luca Viviani, Guo Xiang Cheng
Luci: Christian Sorci – Axel Lepper.
Foto: Thomas Clocchiatti. Video: Stefano Ceccarelli

Testo integrale della recensione “Un mondo da favola?” L. C. Micropolis – il manifesto 27 luglio 2017
Siamo una generazione che è cresciuta nel segno dell’anticonsumismo: quella che era definita come la “contestazione della società dei consumi” (produrre per consumare, consumare per produrre) è stata forse quella che più ci ha segnato, nelle nostre giovanili scelte sia teoriche che pratiche. È probabile che alla base ci fossero, almeno all’inizio, istanze morali e forse, per alcuni, anche religiose (retaggio di una formazione cattolica sempre più in crisi nel suo trionfalismo secolare), e istanze – direi soprattutto – di tipo estetico, un esercizio di stile capace di orientare tutta una
vita: si veda come esemplificazione di un “sentire” generazionale il bel libro di Clara
Sereni Via Ripetta 155.
Oggi sembrerebbe che quell’atteggiamento critico generale (portatore di una radicalità che, oggi lo sappiamo, non poteva conciliarsi con il “sistema”: uno dei due doveva perdere) si sia parecchio attutito, se non proprio spento (ma forse no). Resta che, appena esce un nuovo gadget tecnologico c’è tutta una
corsa di moltitudini non per contestarlo, ma per acquistarlo. Per essere i primi.
Ma c’è pur sempre, ancora, chi davanti a tutto questo si sente come un pesce fuor
d’acqua.
A queste cose ci ha fatto pensare la visione dell’ultimo “gioco scenico” del Laboratorio teatrale Human Beings, diretto da Danilo Cremonte, Brand / marchiat, che di quello spirito critico si fa sanamente carico: le sfilate “armaniane” irrise, il vecchio arosello sbeffeggiato (questo carosello che ogni tanto non si sa perché ci viene riproposto alla televisione come un revival delle presunte felicità domestiche di un tempo), fino alla pubblicità irridente della bara, della morte… È tutto un susseguirsi di scene ora comiche
ora drammatiche che non lasciano fiato, che provocano quasi uno stordimento nello spettatore, simile a quello che prende il consumatore perduto nel mondo delle merci.
Ma l’ironia, il senso parodistico, s’incaricano ogni volta di mantenere sveglia, vigile l’attenzione critica.
E se niente in questa realtà rovesciata è come appare (niente è la parola che si sente di
più), è anche vero che il rovesciamento può dare talvolta un effetto felice inatteso: le coperte termiche che avvolgono i naufraghi fanno giochi di luce che sembrano negare,
occultare la realtà della tragedia. Ma poi si prestano, proprio per la loro luccicanza così
viva, così suggestiva, a “vestire” una danza africana bellissima, che immaginiamo svolgersi sulla banchina di un porto d’approdo. Le coperte termiche: da segnali della disperazione a indicatori di una speranza.
Ma è più probabile che l’inganno sveli la sua faccia più ignobile: è tutta la lunga sequenza
che potrebbe avere titolo “un mondo da favola” (non perché bello come nelle favole, ma per le bugie che la favola ci racconta) a mostrarcelo, con la regina che tenta con la sua mela avvelenata (Apple?) i poveri sette nani che “vanno a lavorare” dove lavoro
non c’è: non c’è proprio niente all’orizzonte, basta che uno di loro se ne accorga e lo dica,
come direbbe che “il re è nudo”. E frattanto l’imbonitore di turno (ma, scopriremo, è
proprio il mitico, leggendario Steve Jobs, con una mela in mano: e questa volta è sicuramente Apple!) esalta le qualità del ribelle, dell’anticonformista, del folle (che sarebbe lui) che “cambia il mondo”.
La più grande intrapresa del capitale mondiale diventa la vera rivoluzione. E noi che
avevamo pensato…
La chiave di questo spettacolo è, ancora una volta, nel finale, un finale tanto suggestivo
quanto enigmatico: un essere coperto di candele accese avanza a fatica, strisciando, nel
buio; vuole forse portare la luce, ma le candele vengono tutte spente e non resta che il
buio.
Evidentemente la luce non ce la può portare nessuno: tocca a noi, a tutti noi, fare chiarezza.
Lo spettacolo Brand / marchiat, gioco scenico di varia umanità è stato rappresentato per la
regia di Cremonte nelle serate del 29 giugno e del 1° luglio nello scenario magnifico del
chiostro di S. Anna a Perugia, con un pubblico numeroso e caloroso.
Tutti bravi i giovani attori/coautori (studenti, lavoratori, disoccupati, richiedenti
asilo…) provenienti da ogni parte del mondo (Cina, Etiopia, Francia, Georgia, Ghana,
Guinea, Inghilterra, Iran, Italia, Libia, Moldavia, Nigeria, Perù, Polonia, Senegal, Stati
Uniti). Belli, intensi e avvolgenti, i colori, le luci, le musiche. Si replica a settembre.

L'articolo Brand (2017) proviene da Human Beings.

Lo spettacolo End Bag, evento conclusivo del laboratorio teatrale interculturale Oltre il Ponte, si è tenuto nel suggestivo scenario naturale del Bosco didattico di Ponte Felcino (Perugia). Il progetto, pensato come un ponte di comunicazione interculturale tra la popolazione locale e i migranti presenti sul territorio, ha vinto il bando MigrArti del Ministero dei beni e delle attività culturali. La scelta del contesto di Ponte Felcino è stata motivata anche dalla presenza sul territorio di molti richiedenti asilo ospitati nella struttura dell’Ostello della gioventù, oggetto di sentimenti contraddittori nella cittadinanza.

Lo spettacolo è un viaggio attraverso i vissuti, i sogni, i desideri, i ricordi, dei quattordici protagonisti, provenienti da realtà molto diverse tra loro, ma che condividono tutti l’esperienza della migrazione. Tra valige che si aprono e si chiudono, sulla scena si susseguono momenti di quotidianità, festa e speranza ad altri di raccoglimento e riflessione. Cosa contiene l’ultima valigia – end bag – resterà un’incognita, il suo contenuto è ancora da scoprire.

Partners del progetto Oltre il ponte sono: Associazione culturale Smascherati!, ANCI Umbria, Comune di Perugia, Regione dell’Umbria, ARCI Solidarietà ora d’aria, FELCOS, Università degli Studi, Key & Key communications; con il supporto di Regione Umbria, Università per Stranieri, Proloco La Felciniana, Associazione Giovani Musulmani, Polis Soc. Coop. Sociale. Si ringrazia l’Associazione Volontari e Amici del Bosco Didattico.

Attori: Luciana Bianconi, Daniel Chukwuma; Wolo Coulibaly; Youssuf Coulibaly; Laura Cremonte; Baboucar B. Diallou; Mamadou Hassimiou Diallo; Ibrahim Diarrasouba; Sara Dinkel; Martina Fileccia; Jaret Ikhe; Soko Kromah; Christine Lord; Waqas Alì Majeed; Benedetta Martino; Mohammad Alì Montaseri; Jhans A. Serna Rayme; Aliou Tall; Sidibè Vacaba.

Musiche:

René Aubry “Vodka M’interesse”

René Aubry “D’un pas si facile”

Namib Marimbas “Grazing back home”

Claude Arrau “Les jeux d’eaux à la Ville d’Este, for piano (Années III-4), S. 163-4 (LW A283-4)”

Recensioni

[…] Sono ragazzi che la burocrazia dell’accoglienza definisce (e così li classifica) “richiedenti asilo”, ospitati provvisoriamente nell’Ostello della gioventù di Ponte Felcino – oggetto, qualche mese fa, di incomprensibili contestazioni “leghiste” o giù di lì: incomprensibili tanto più alla luce della ricchezza umana e di cultura che proprio questo spettacolo rivela e ci dona. Richiedenti asilo, dunque né carne né pesce, in attesa di…, come in un limbo. Eppure questi giovani hanno una carica umana, un’autonomia intellettuale e un’energia creativa che commuovono ed emozionano come poche altre volte ci è capitato di provare. E non si tratta di un abbaglio dovuto a spirito caritativo o, come si dice orrendamente, particolarmente “buonista”: è che è proprio lo spettacolo e la loro prestazione attoriale – sia pure di dilettanti innamorati di questo loro ruolo provvisorio – a convincere pienamente, ne è una prova la reazione così favorevole di un pubblico numeroso, addirittura “straripante” nell’ultima serata di replica. Insomma, è proprio il “gioco scenico” che funziona, coadiuvato da un uso sapiente di luci calde e intense, sorretto da un umorismo dai ritmi classici e sempre sorprendenti e coinvolgenti. Poi fanno capolino, e si impongono decisamente, le storie di migranti, ridotti quasi a far tutt’uno con le loro valigie, come una sineddoche dolente e faticosa. Ma tutto è raccontato con un tono lieve e volto soprattutto a ricercare il lato comico di quanto è accaduto o accadrà: non certo per svalutare, o sminuire, banalizzare la gravità o anche la mostruosità del tempo che stiamo attraversando, ma per trovare nella propria intelligenza e fantasia una modalità di resistenza e liberazione più profonda. […]

Questo spettacolo si apre e si chiude con la parola welcome, che davvero non suona formale. Nel finale questa
parola è modulata nei versi splendidi e tristi del poeta africano Wole Soynka:

“Il domani viene e va, giorni da relitti di spiaggia” / Forse indosserai, alghe cucite su falsi di stilisti, con marche invisibili: fabbriche in nero. O souvenir sgargianti, distanti / ma che ci legano, manufatti migranti, rolex / contraffatti, l’uno contro l’altro, su marciapiedi / senza volto. I tappeti invogliano ma I nessuna scritta dice: WELCOME.”

dalla recensione di End Bag su il manifesto- micropolis

End Bag recensione il manifesto-micropolisDownload

L'articolo End bag (2016) proviene da Human Beings.

Increduli, assistiamo quotidianamente allo spettacolo tragico dell’esodo senza fine di moltitudini di uomini; impotenti, preferiamo volgere altrove lo sguardo, ma dove? “Ovunque ti giri c’è realtà! A destra, a sinistra ce n’è. Ce n’è a bizzeffe, non sai più dove voltarti” (Aldo Nove).

“All’inizio è un ricordo di Beckett, il maestro: Giorni felici, con i due non interrati, ma sepolti fino al viso in due altissime pile di pneumatici, copertoni di automobili che, numerosissimi, compariranno poi, si può dire, in tutto lo spazio e per tutto il tempo, vero leit motiv di questo spettacolo. Copertoni di volta in volta come salvagente, gettati alla rinfusa forse come tentativo disperato di salvare qualcuno, qualche annegato (ma non si vede nessun salvataggio), o come minacciose presenze che sembrano dotate di una vita propria, ostile, incontrollata. […]

In questo spettacolo invece non c’è nessun compiacimento, le cose – pur se trasfigurate nella metafora dell’invenzione scenico-poetica – sono dette come sono. Ecco allora il ricordo della guerra europea e del nazismo, nella voce agghiacciante dell’ultimo comunicato radio al momento dell’invasione della Polonia. E, a creare un cortocircuito abbastanza spaventoso, ecco le foto ricordo dell’orrore di Abu Graib, questo nazismo mediocre e un po’ ridicolo dei nostri tempi. Come dire, con Brecht, “il grembo che partorì quel mostro è ancora fecondo”. E nel frattempo, a inserire in tutto questo il freudiano perturbante (unheimlich) una voce intona, ma con qualche fatica, il natalizio “Oh Tannenbaum”… Intanto sbucano da ogni parte le reti (il filo spinato, le nuove frontiere d’Europa), a chiudere tutto in una situazione di claustrofobia senza scampo. Salvo poi, alla fine, comparire un pescatore che, umile, paziente, stende una rete che attraversa tutto lo spazio scenico davanti agli spettatori. Una rete che ha qualcosa di familiare, sembrerebbe una di quelle dei pescatori del nostro lago: una rete nella quale finiremo tutti, prima o poi, pesciolini. Non so dire perché, ma è un pensiero che mi ha molto rassicurato e consolato. […] “

L.C. estratti della recensione per il manifesto- micropolis

““Senza dove” fa ridere e irridere, diverte e irrita, turba e disturba. Specie quando rimprovera alla nostra coscienza la colpevole indifferenza verso la sorte di altri uomini. Non troppo diversi da noi. Ci accorgiamo così che “i poeti mentono”, perché “le parole vengono troppo tardi, o troppo presto”. Il gesto no.

Mentre la forza della vita emerge in tutta la sua incomparabile, sconvolgente e tragica bellezza.”

Sandro Allegrini, Il Nuovo Corriere Nazionale

Di e con: Sofia Battistini, Luciana Bianconi, Nicola Castellini, Fred David, Mariella De Masi, Mamadou Hassimiou Diallo, Robertino Dolciami, Martina Fileccia, Giulia Galdelli, Pierluca Gioia, Stefan Godonoga, Giorgi Kochua, Axel Lepper, Viola Lopez, Christine Lord, Waqas Ali Majeed, Rita Marinelli, Mohammad Ali Montaseri, Ilaria Natale, Walter Pituello, Anna Poppiti, Asif Rahmani, Jhans A. Serna Rayme, Elena Severini, Aliou Tall, Julia Tyszka, Luca L. Viviani, Lin Weixin, Li Zi’an.

Regia: Danilo Cremonte

L'articolo SenzaDove (2016) proviene da Human Beings.

Babele non è una maledizione, ma la fortuna del pensiero.

Francois Jullien

Forse Babele non è stata punita. Piuttosto, è stata benedetta da quella furiosa tempesta di lingue che si è abbattuta sulla città e sulla sua torre. Babele da allora è piena di scale, ponti, incomprensioni, incontri, tentativi, danze. Babele è colma di quella tensione, verso l’Altro e verso il cielo, che viene continuamente dirottata dal Caso. Con il Caso si può patteggiare e persino giocare, lo si può accettare o sfidare, ci si può scherzare o brindare.

Nel Caso, comunque, ci si cade (dal latino casus, caduta); e ci si cade sempre, per il solo fatto di essere nati su questa Terra (e il dove e il quando non sono indifferenti).

Gli abitanti di Babel provengono da: Albania, Bangladesh, Cina, Corea del Sud, Costa d’Avorio, Georgia, Germania, Iran, Italia, Mali, Pakistan, Perù, Romania, Senegal, Stati Uniti, Sudan.

“Il senso si disvela proprio nel movimento vorticoso e fascinoso, nella viva bellezza del movimento, nell’accumulo delle improvvisazioni teatrali, delle parole e dei corpi che si inseguono e si perdono e si ritrovano, in sequenze spesso di irresistibile comicità mescolata a una strana inquietudine (…)

E c’è un fantastico finale visionario, luminoso e insieme sottilmente angoscioso, che con la voce di Jim Morrison a rievocare Apocalypse Now sembra voler rendere un omaggio al grande cinema e alla grande musica ribelle degli anni ’70, e insieme a una generazione ribelle che cade e si rialza e non si stanca mai: Tant cadut, tant ialzat, non ci simm ancora stancat… ”. Micropolis-il manifesto 28/7/15

Historikal luck: Non c’e bisogno di oroscopi; bastano delle nozioni elementari di storia e geografia. Immaginate di essere la figlia di una sguattera nel 1610, oppure il figlio di un calzolaio ebreo trecento anni più tardi in Galizia, o per esempio un orfano in Somalia qualche anno fa. Carte particolarmente brutte; prima o poi, infatti, con ogni probabilità morireste di fame o verreste uccisi. Una simile riflessione infligge all’idea di giustizia un colpo da cui si risolleva solo a fatica, ammesso che ci riesca.

Hans M. Enzensberger, Considerazioni del signor Zeta

Di e con: Nouh Ahmed, Kowser Alam, Adnan Asghar, Vincenzo Bonanata, Alessio Bravi, Monica Costantini, Moira De Grisogono, Mohamed Diabate, Perla Dieli, Moussa Doumbia, Henrry Figueroa, Marta Franceschini, Gao Huashao, Arian Imani, Lee Jieun, Aidin Jodeiri, Giorgi Kochua, Merlinda Kurti, Axel Lepper, Christine Lord, Waqas Ali Majeed, Mohammad Ali Montaseri, Waqas Muhammad, Alexandra Niţoaia, Enio Pallaracci, Agnese Panicale, Ilaria Pigliautile, Walter Pituello, Anna Poppiti, Zhou Qiaoqiao, Shadan Salami, Jhans Serna Rayme, Aliou Tall, Carlotta Träger, Giulia Venturi, Luca Viviani, Wang Yuan, Chen Yunan.

Regia: Danilo Cremonte

L'articolo Babel (2015) proviene da Human Beings.